FUNCTION MATTERS Nov-Dec 2018


FUNCTION MATTERS
Ursula Munch-Petersen og Ann Linnemann
Udstilling 29 november – 23 december 2018
Åbningsreception torsdag d. 29 november kl.16-19.00

Håndværket udfordrer industrien - nye farver og blåt tryk
Fokus på kunsthåndværk, personlige brugsting med spor af håndens arbejde.

Udstillingen fortæller om to slags brugsting, der på forskellig vis refererer til det industrielle produkt, men nu udføres på det lille værksted, og i høj grad er resultatet af håndens evne til at skabe unikke brugsting af høj kvalitet, der kan elskes af flere generationer og holde ud over sin tid.

Smukke farver og enkle former af Ursula Munch Petersen er sammensat med blå/hvidt porcelæn af Ann Linnemann og Paul Scott.

Keramisk designer udstiller kunsthåndværk fra eget værksted.
Ursula Munch-Petersen er anerkendt for sine eminent designede brugsting.
Fra smukt kunsthåndværk er hendes hendes værker blevet til gode industrielle designprodukter, der ofte rummer den samme følelse som i godt kunsthåndværk. Hun har gennem årene skabt et utal af værker, eksperimenter og prototyper til design for industri og værkstedsproduktion, unikke værker og udsmykninger.
Denne udstilling rummer nye værker fra hendes eget værksted.

Der er en ærlig forbindelse mellem håndens arbejde og brugsfornuft.
Farver, former, formål og landskaber går i et med den fred, der sænker sig over livet på landet. Tingene dufter af historie om materiale og fornuft iblandet en undersøgende skaberglæde.

Mange kender Ursula-stellet, fade, skåle, kopper og kander i stærke farver og karakterfulde former. Men få har som Ursula forstået at forene nyt design med godt håndværk, til daglig brug.

NYE FARVER - TALLERKENER, FADE OG SKÅLE I FLERE STØRRELSER
Ursula Munch-Petersen
”Jeg har arbejdet med ler og keramik i over 60 år. Mit arbejde har været omtrent ligeligt fordelt mellem modellerede genstande og udsmykninger, - og så brugsting udført på eget værksted og design til industriel produktion.
Det ene har ikke fyldt mere eller været vigtigere end det andet. Når man skifter mellem det ene og det andet opleves det nyt hver gang en ny opgave opstår.
Mange gamle og nyere ting, forme og modeller har jeg stillet til side gennem årene. Når jeg får en ny henvendelse, som med en lille morter jeg lavede i tresserne på Bing & Grøndahl, tager jeg formen op i værkstedet og går i gang med at lave den på ny.
Udstillingens skåle, tallerkener og fadene er en blanding af ældre design og nye farver, hvor det meste er udført i sommeren 2018.”

Ursula Munch-Petersen er født i 1937 på Bornholm. Efter værkstedsophold på bl.a. Hjorts Fabrik i Rønne og uddannelse på Kunsthåndværkerskolen 1956-60, blev hun ansat på Kunstnerværkstedet Bing & Grøndahl 1961-68 og designer siden for Royal Copenhagen og Kähler. Hun har modtaget adskillige legater og priser fra bl.a. Statens Kunstfonds Livsvarige Legat, Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfonds Hæderslegat, Bindesbøll Medaljen, Ole Haslunds Kunstnerlegat, Kunsthåndværkerrådet.
Efter et aktivt liv som kunsthåndværker og designer med rejser, undervisning og udstillinger i Danmark og udlandet bl.a. Letland, Litauen, Ukraine, USA, Mexico og Kina, har hun nu bolig i København og værksted på Møn. Hun skabte fajancestellet 'Ursula' Royal Copenhagen 1992, værker i Lærkestellet 1994, - og offentlig udsmykning som 'Tidstavlen' til Hærvejen, Jylland 2010.


ANN LINNEMANN
Koboltblå silketryk på porcelænsstel i et dansk-engelsk samarbejde.
Landscape Blue stellet består af kaffe-/tekopper, tallerkener, fade, bakker og kander i porcelæn, der er designet og hånddrejet af Ann Linnemann og herefter påsat koboltblå silketryk udviklet af Paul Scott ud fra motiver, der tidligere blev anvendt i industriel produktion.
Til udstillingen er udført nye værker med fornyet brug af de blå tryk.

Landscape Blue afspejler en mangesidig dialog mellem industri og håndværk, hverdag og det fine stel med guldkant, barndomsminder, erindringer - og den daglige kop varm drik.
Porcelænets historie, social-og kulturpolitik og natur er gennemgående temaer, der udfolder sig for den nærgående beskuer.
De dekorative motiver udføres i små serier af unikke landskabshaver, 'sommer og vintertræer' fra Kongens Have, ornament-borter inspireret fra Østen eller svenske og engelske stel.

”Vi er interesseret i den måde, det håndlavede og industrielle kan forenes ved at skabe objekter af skønhed til brug; men selv om vi arbejder med drejede former og print er vi ikke interesseret i vores egen 'masseproduktion'. Projektets karakter tager netop afstand fra upersonligt ligegyldigt forbrug, leger med industriens teknikker for at vække en social årvågenhed. Kun et begrænset antal af hvert print-motiv bliver trykt og skaber en begrænsning for hvor mange af samme slags, der bliver til. Desuden danner det hånddrejede en unik grund, der bevirker, at ikke to genstande er helt ens.”

SAMARBEJDET – Landscape Blue og Body Blue
Værkerne er resultatet af et langvarigt samarbejde, der startede i 2004, da Paul Scott og Ann Linnemann arbejdede sammen om skulpturelle værker til en fælles udstilling Body Blue i Galleri Nørby, København. De grafiske motiver til de første kopper er baseret på sommer og vintertræer i Kongens Have i København. 'Sommertræ'motivet blev også udført på transparente lysholdere og 'shot-bægre'. Et lille antal blev udstillet og solgt fra det skotske galleri i Edinburgh i løbet af 2008; og det blev herefter tilgængeligt fra Ann Linnemann Galleri i København og Paul Scott i Cumbria, UK. Siden er projektet udstillet flere steder, bl.a. vandreudstillingen Taking Time: Crafts and the Slow Movement - www.makingaslowrevolution.wordpress.com
Nye motiver, kanter og borter er afledt af andre industrielle tryk, og nye genstande er designet til stellet, tallerkener, fade, serveringsbakker, kander.
Porcelænstellet er designet, hånddrejet, glaseret og brændt af Ann Linnemann i hendes værksted i København, Danmark. Paul udvikler de grafiske motiver og silketrykker keramiske dekaler i sit værksted i Blencogo, Cumbria, England. Halvdelen af et bestemt mønster eller grafik er tilgængeligt fra Paul og halvdelen fra Ann. Således er de færdige genstande, der gennemgår i alt fire forskellige brændinger, skabt både i København og Blencogo - da hver kunstner deler og frit påsætter de trykte dekaler til porcelænet, før de tilføjer kanter af guld-og platinlustre på udvalgte værker.
Alle værker er underskrevet og stemplet med fælles signatur og logo.

Samarbejdsprojektet blev præmieret af Statens Kunstfond i 2009.

Ann Linnemann Se mere.. LINK
Paul Scott Cumbrian Blue(s) www.cumbrianblues.com

Tak til Statens Kunstfond for projektstøtte til Galleriets formidling i 2018.

GEOMETRIC SCALES okt-nov 2018


GEOMETRIC SCALES
Karen Bennicke & Masamichi Yoshikawa
4 oktober – 24 november 2018
Geometriske skalaer – en duet af keramisk arkitektoniske værker
Geometri og eksperimentel interesse er fællesnævnere for japanske Masamichi Yoshikawa og danske Karen Bennicke.

Udstillingens værker sætter de to verdenskendte keramiske kunstnere i en særlig materiale-og formdialog, hvor udstillerne med hver sit personlige formsprog afslører forskelle, synliggøre kulturelle referencer, vise spændingsfyldte modsætninger og fine sammenhænge.

Udstillerne udforsker på hver sin måde materialets geometriske formegenskaber og glasures påvirkning,
men værkerne reflekterer i lige så høj grad hver deres filosofiske, kulturelle og æstetiske tilgange.
Masamichi Yoshikawa insisterer på fordybelse, nærhed
og reflektion i sin japansk filosofiske tankegang.
Det skulpturelle omdrejningspunkt er en symbiose af modellerede bygningsværker i porcelæn og celadon-glasurens egenskaber i tynde og dybe blågrønne lag eller med dryp af glasurens overflod.
Materialernes natur overtager formernes geometrisk skarpe kanter, associerer søer, vandfald og regndråber i værkernes poetiske abstrakte landskaber.

Karen Bennicke arbejder i rumlige visioner – konstruktioner med mindelser om arkitektur. Hendes værker associerer det funktionelt konkrete i harmonisk balance med det ulogisk udefinerbare og intuitive.

Alle udstillingens værker af Karen Bennicke - fotos i rækkefølge som værkliste:

Karen Bennicke DK
”Jeg er fascineret af formen.
Ser den overalt.
Leger med den,
kniber det ene øje sammen,
og finder sammenhænge og modsætninger.
På jagt efter udtryk."

"Mine arbejder er rumlige visioner – konstruktioner med mindelser om arkitektur. De etablerer en art formbærende membran mellem det indvendige og det udvendige rum.
Lys, og dermed naturligvis skygge, er de vigtigste faktorer i en intuitiv, matematisk opbygning af værkerne.
De opererer i et felt mellem noget genkendeligt, ofte med funktionelle referencer og noget udefinerbart, der finder sted mellem det harmoniske og det nærmest kaotiske.
Jeg prøver at eliminere afstanden mellem den logiske, konkrete formverden, som vi kender fra vores hverdag, og det ulogiske, ukendte og absurde.”
Fra bogen: Karen Bennicke - Rumlig destabilisering.
Citat af museumsdirektør Anne-Louise Sommer
”Der er besnærende modsætninger indlejret i værkerne af Karen Bennicke. Det umiddelbart sanselige møder det spekulative konstruerede.
Ofte er intuitionen afsættet, men samtidig arbejdes der med komplekse geometrier – og matematiske beregninger ligger til grund for de konstruktive form- og rumdannelser. Karen Bennicke arbejder som en ingeniør med inspiration fra de tekniske videnskaber, hvor alt lige fra byplaner til paraboler, satellitter og rumraketter trækker spor ind i formens univers.”

KAREN BENNICKE (f. 1943) er uddannet på pottemagerværksteder i det sydlige Sjælland 1958-61. Har haft eget værksted siden 1961. Talrige udstillinger i ind og udland, og er repræsenteret i museer og samlinger i Danmark, Norge, Sverige, Tyskland, England, Letland og Japan. Modtaget legater og hædersbevisninger fra bl.a. Statens Kunstfond, Nationalbankens Jubilæumsfond, Inga og Ejvind Kold Christensens Hæderspris, Annie og Otto Johs. Detlefs Keramikpris, Statens Kunstfonds Hædersydelse og Thorvald Bindesbøll medaljen. Medlem af Billedkunstnernes Forbund BKF, Kunstnersamfundet og International Academy of Ceramics IAC. Publikation: Karen Bennicke – Spatial Destabilization. www.karenbennicke.dk

Masamichi Yoshikawa - Japan
“Through my art, I strive to describe the eternal becoming of life in clear and transparent forms.
水炎(Suien)- Water flame - tilstedeværelse af vand og is.

Alle udstillingens værker af Masamichi Yoshikawa - fotos i rækkefølge som værkliste:





Yoshikawa koncentrerer sig om Seihakuji Celadon, blålige glaserede keramiske samtidsværker i porcelæn.
Han bor og har værksted i Tokoname, en berømt traditionel keramikby på halvø i Aichi-området, syd for Tokyo.
Mens porcelæn med celadon-glasur traditionelt kendes fra tynde vaser og skålformer, skaber Yoshikawa skulpturelle værker i porcelæn efter sin personlige æstetik: en kraftig, ofte arkitektonisk formgivning dækket med 'pooling'-søer og elegant dryppende glasur. - wikipedia.org/wiki/Celadon





Yoshikawa besøgte Europa i 1960erne og blev betaget af middelalderborgens arkitektur. Ud over den hjemlige østlige indflydelse, afslører hans arbejde denne vestlige påvirkning. Da han først besøgte Europa for 40 år siden, blev han fascineret af William Turners malerier, men også slottene i Europa, der stadig anes i hans arkitektoniske værker som crenel-agtig ornamentik.
Hans værker består hovedsagelig af vaser/beholdere, som han skaber på pottemagerens drejeskive, eller han bygger dem op fra plader af porcelænsler.

De ikke-drejede værker er for det meste geometriske og asymmetriske.

Han bruger klar hvidt 'Hakiju' koreansk porcelæn og kombinerer det ofte med 'Qingbai', transparent lyseblå glasur. Til tider indridser han en tegning, kalligrafi i den stadigt rå leroverflade, som han fylder med kobolt. Hans unikke teknik og nyfortolkning af det klassiske formsprog har modtaget både national og international anerkendelse og berømmelse.

MASAMICHI YOSHIKAWA er født i 1946 i Chigasaki, Kanagawa, Japan. Han graduerede indenfor Design & Interior i Japan 1968. Fra 1968-71 arbejdede han hos Junpei Sugie, Tokoname. Siden 1969 har han deltaget i talrige udstillinger rundt om i verden (Japan, Frankrig, England, Italien, Nederlande, Danmark) og har modtaget flere priser. Metropolitan Museum of Modern Art i New York og museer hvor han har udstillet i Europa har erhvervet hans værker. Siden 1975 har han haft sit eget værksted i Tokoname.

Tidligere værker:


Tak til Statens Kunstfond for projektstøtte til Galleriets formidling i 2018.